critique de théâtre paris

D comme Deleuze par la compagnie La Traversée dans une mise en scène de Cédric Orain

Vu au théâtre de l’échangeur, Bagnolet

Une création en lignes de fuite

Le spectacle est un objet étrange et lucide sur des questionnements relatifs à la scène théâtrale et à l’acte de création. Là où habituellement le théâtre nous invite à la réflexion par différents moyens que peuvent être l’émotion ou la mise à distance, ce spectacle nous plonge dans la germination d’une pensée. Les trois comédiens qui l’incarnent font ainsi l’expérience de sa discussion et de sa conception. La matière du spectacle est puisée dans L’Abécédaire de Gilles Deleuze qui fut diffusé à la télévision après sa mort et qui sont des sortes d’entretiens avec Claire Parnet son élève. On y perçoit toute l’exigence d’une pensée en même temps que toute son acuité qui se lit comme une ligne de fuite.

Au demeurant, le spectacle serait d’après le concept de Deleuze une véritable ligne de fuite :

« Mais c’est justement ça qu’on ne peut apprendre que sur la ligne, en même temps qu’on la trace : les dangers qu’on y court, la patience et les précautions qu’il faut y mettre, les rectifications qu’il faut faire tout le temps, pour la dégager des sables et des trous noirs. » ( Gilles Deleuze, Claire Parnet, Dialogues, Flammarion, « Champs Essais », 2008, Chapitre II, Première partie, p. 50).

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©Emmanuelle Stäuble

En effet, le spectacle s’attache à jouer quelques textes des premières lettres de l’Abécédaire en faisant des détours et des esquisses, moments chantés ou chorégraphiés, drôles et sensibles, qui mettent à l’épreuve la respiration des corps. Les comédiens ainsi assis autour d’une table se dégagent peu à peu du monde réel pour quitter l’injonction de la pensée et provoquer l’acte créatif. Car au fond, cette matière philosophique est d’une très grande évocation poétique, parce que tout comme le langage théâtral, elle présuppose que la philosophie est avant toute une expérimentation de la vie elle-même. La pensée elle-même ne modifie pas alors seulement notre rapport au monde, elle nous fait sans cesse voyager dans le vertige même de notre incomplétude. Cela, le spectacle le montre parfaitement : si au départ les comédiens se présentent comme des corps, leurs corps s’amenuisent peu à peu pour devenir des flux dans l’obscurité latente de la scène, des flux dont on entend les vocalises et la respiration, des flux encore qui se meuvent sans savoir où aller et qui ne pourront jamais s’arracher à leur impuissance.

C’est ainsi que Gille Deleuze désigne ces flux, qui sont en quelque sorte les différentes appétences de la dramaturgie et des comédiens :

« Qu’il y ait seulement des flux, qui tantôt tarissent, se glacent ou débordent, tantôt se conjuguent ou s’écartent. » Ibid, p. 59.

Ce qui se passe alors sur scène peut être désignée comme une cabale ou comme une performance. Dans les deux cas, il y a une recherche d’infini, puisque tout est fait pour créer un spectacle de théâtre, pour lui en donner l’aspect, tout en s’écartant peu à peu du modèle. Il est peut-être dommage qu’il n’y ait pas de musiciens pour prendre en charge les flux de la scène et pour les harmoniser. Plus encore, il aurait fallu une rage sans doute plus forte de la part des comédiens pour exprimer cette tension entre le corps en pensée qui cherche finalement à faire part de ses réflexions au spectateur pour le faire réfléchir et un corps en flux-tendus qui dans son rapport à l’espace scénique se situerait davantage dans la volonté de bouleverser le spectateur.

Au demeurant, le principe de ce spectacle est assez opérant, même si la puissance théâtrale n’est pas assez convoquée autrement que par l’humour qui donne un côté plaisant à cette création. Il y a dès lors trop de pensées… On perçoit ici un texte qui n’est pas suffisamment dégagé de ses mécanismes et qui aurait pu être débordé dans les instants où les comédiens errent et foulent la scène de leurs voix ou leurs respirations angoissées comme pour expérimenter ce qui vient d’être énoncé. Le metteur en scène a bien tenté de saisir ce vertige poétique de la parole philosophique de Deleuze en voulant en quelque sorte mettre en évidence la danse d’apparition de la pensée, mais l’édifice scénique n’est pas assez soutenu et est peut-être trop doux quand toute la philosophie de Deleuze nous pousse à faire face à notre propre échec :

« Qu’est-ce qui nous dit que, sur une ligne de fuite, nous n’allons pas retrouver tout ce que nous fuyons ? » (Ibidem, p. 49).

Dès lors, la création repose sur un véritable projet scénique et ne se contente pas de superposer les textes. Il se dégage du spectacle quelque chose d’insensé mais au fond d’insaisissable qui est que réfléchir est en soi un acte artistique parce qu’on refuse de renoncer et qu’on fait de notre lucidité, une arme pour interroger le monde…

RAF

Lili dans une mise en scène de Daniel Mesguich d’après le Désespoir tout blanc de Clarisse Nicoïdski

Au théâtre de l’épée de Bois du 7 Mars au 9 Avril 2017

Lili c’est celle qu’on ne nomme pas, qu’on ne représente pas, qu’on ne regarde pas. Lili est un creux dans lequel viennent se loger tous les manques d’une humanité qui ne sait pas, qui ne veut pas donner. Pas plus d’amour que de tendresse, Lili ne le sait que trop. Alors, il lui faudra composer avec ses désirs, ses images, ses interprétations et ses dires pour reconstituer, avec elle, une vie qu’on lui refuse.

La scène d’ouverture est plongée dans l’obscurité. Seule une lumière vient se poser sur ce qui semble éteint. C’est Lili, dans le désespoir tout blanc, qui se balance pieds et poings liés dans une camisole, blanche. Le chant qu’elle murmure, aux notes si lancinantes, ne laisse pas d’échappatoire. L’infirmière, dans une blouse blanche, arrive en traître. Ce n’est pourtant pas un couteau qu’on plante dans le dos de Lili, c’est une piqûre. Oui, mais elle suffoque quand une aiguille, aux mêmes effets qu’une lame, la ramène au « tout blanc » quand il n’y avait pas encore de désespoir. Piqûre de rappel, sans doute, rappel des joies et des petits bonheurs simples de Lili, l’idiote.

Assise sur un banc, au-devant de la scène, Lili nous raconte ce qu’elle voit, ce qu’elle entend et ce qu’elle pense. Plongée dans l’intériorité de celle qui en semble dénuée, ce qui saisit le spectateur n’est pas tant de faire face à cet être bancal que de se laisser transporter par cette parole qui s’ouvre à un monde que l’on ignore. Sur scène, il y a deux Lili : celle qui parle et celle qui ne peut se mouvoir qu’avec des gestes, des rires ou des cris, celle qui pense et celle qui est absente, celle qui aime et celle qui dégoûte, celle qui se comprend et celle que l’on réprime, celle qui est et l’autre que l’on voit et qu’on laisse. La première est interprétée par Catherine Berriane qui, à elle seule, parvient à donner à ce personnage toute la candeur et l’angoisse d’une humanité refoulée et fait naître chez les spectateurs toute l’affection que Lili réclame. Au contraire, l’autre Lili, jouée par Flore Zanni, est celle qu’on ne voit pas, qu’on ne comprend pas puisqu’elle dérange avec tous ses gestes et ses bruits. Alors on la tient à l’écart, là, bien en retrait sur la scène.

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D’après le roman Le désespoir tout blanc de Clarisse Nicoïdski, la mise en scène de Daniel Mesguich se veut une ode à la différence sans indifférence. C’est à la lueur d’une lumière jaune et pourtant si chaleureuse d’une maison que règne le mensonge, le dégoût et les coups et, c’est dans une atmosphère mystique et lugubre où se mêlent les sourires de la vierge Marie et les souffrances du Christ que Lili déploie toute sa vérité. Des deux comédiennes à la représentation d’une famille de bambin en bande de poupons aux voix-off : aucune indulgence. Tous, sont les jouets du désespoir. Mais ce sentiment qui pourraient les faire semblables n’est qu’une raison de plus pour engendrer une nouvelle distance. Au désespoir de la mort du père, de l’adultère de Léon et du suicide de Luce répond l’anéantissement de Lili, enfermée entre quatre murs, enveloppée dans un carcan blanc car, dans la famille de Lili l’affection n’est qu’une infection.

Ce qu’il reste du spectateur au sortir de la pièce ? Une Lili au fond du ventre qui, pour la première fois, a su attendrir pour se faire aimer. Rendue aux yeux de tous, Lili est une mise en scène où Daniel Mesguich parvient à réaliser « la tache aveugle de tout théâtre possiblement visible soudain ». Une ritournelle raisonne : celle d’une folie. Folie de ne pas s’y rendre !

Marie Chateau