Julie Rossello-Rochet

Atomic Man, chant d’amour de Julie Rossello-Rochet dans une mise en scène de Lucie Rébéré [Une conception Cie LA MAISON]

Vu à Théâtre en Mai [ 30ème édition du festival au Théâtre Dijon Bourgogne] le jeudi 30 mai.

Une impossible construction de soi…

Le travail scénique est une adaptation de la pièce parue aux éditions théâtrales qui devient dans la conception du spectacle un véritable matériau pour la metteuse en scène. La pièce relate le parcours du personnage d’Arthur de sa naissance à l’aube des années 2000 jusqu’à ses 18 ans. L’histoire évolue en faisant apparaître par fragments l’ancrage familial et social [et même géopolitique] du personnage. Si la pièce écrite construit l’évolution du personnage en évoquant en filigrane les grandes catastrophes ou les événements politiques majeurs de notre modernité, la metteuse en scène a choisi de se concentrer sur les passages liés à la représentation du masculin.

De fait, le choix de se concentrer sur ce « territoire » de la pièce crée un espace scénique qui questionne d’une façon plus percutante et plus loufoque le rapport à notre propre masculinité. On perçoit par un mouvement de chronologie inversée différentes façons d’envisager son rapport au corps, d’abord à 18 ans dans son rapport à l’autre puis en passant par tous les « stades » de la découverte de soi jusqu’à la naissance, où la mise en scène souligne à quel point le commencement se fait dans une forme de chaos nourricier. Cinq comédiennes développent la choralité de la pièce en interprétant les personnages avec désinvolture et en figurant via le trépied et son micro un semblant de fil narratif. Plus encore, une des dimensions créatives de ce spectacle se situe dans les petits « truffages » qui sont comme autant de morceaux de bravoure destinés à faire rire le spectateur dans des situations où l’on doit prouver que l’on est bien un homme !

Aussi et c’est là une des grandes réussites de ce spectacle, la pièce se construit comme un laboratoire scénique où se mêlent dans le désordre, des jets poétiques qui suspendent la frénésie de la pièce et irriguent notre imaginaire de souvenirs concordants avec ce que vivrait le personnage, avec des passages davantage bruts et crus où se révèlent toutes les difficultés de la construction de soi. C’est un des fils de l’écriture qui s’incarne dans la pièce : essayer de faire advenir la vie intérieure de ce jeune homme bercée ou plutôt polluée par des représentations masculinistes, virilisantes, et brutales qui sont l’apanage de notre société moderne. C’est bien là que se situe le rôle du théâtre et de la littérature, interroger ses représentations avec ironie pour en faire émerger toute la violence intériorisée et montrer à quel point cela « dégrade » notre rapport aux autres surtout quand ces dérives culturelles et presque cultuelles font corps avec la société et cimentent non seulement notre rapport au collectif, mais sont à la base de nos complexes et au point de départ de notre repli sur soi et de notre solitude.

10_-_atomic_man_chant_damour_c_jean-louis_fernandez5

Atomic Man, Chant d’amour © Jean-Louis Fernandez

Et les comédiennes incarnent parfaitement ses représentations, non pas jusqu’à la caricature, mais en essayant par l’humour de montrer le déchirement de soi qu’elles provoquent. Quand est évoquée cette idée de départ que l’homme serait un conquérant, quand on voit évoluer sur scène un groupe piloté par un « coach en séduction » qui dévalorise la femme avec un discours marketing et purement consumériste, quand on voit encore le culte du corps érigé au rang de mode de vie, quand on voit encore l’exposition à la pornographie des plus jeunes : le spectateur est autant le témoin de dialogues de sourds que l’acteur de perceptions aveuglées par une caricature du masculin que la pièce relate avec force. En effet, la dramaturgie souligne avec une grande maîtrise cette obédience adolescente qui s’interroge sur la représentation de l’amour, qui est perçu comme un acte de consommation avant d’être considéré comme une aspiration prophétique et irrationnelle.

Ceci est particulièrement prégnant dans la scène de la fête où Arthur alors adolescent se trouve dans l’impossibilité d’échanger physiquement avec une jeune fille, car un artefact théâtral, ici une grande vitre montre à quel point sa représentation de la femme et de la sexualité est tellement biaisée qu’il n’est pas encore prêt à aimer. Cela est encore plus fort quand il demande à son père comment il a eu sa mère et que son père lui dit qu’il lui a écrit des poèmes…

Dès lors, le spectacle s’il nous plonge dans la vie intérieure d’un adolescent et ses secrètes et tapageuses espérances, nous retrace également le parcours d’un enfant, qui dans la pureté qui est la sienne, grandit non pas dans l’innocence mais dans l’apprentissage nécessaire de son identité intrinsèque, celle de l’homme rêvant d’être précisément un être insensible et puissant. Les jeux d’enfants manifestent dans la pièce cette distorsion qui s’opère en grandissant et qui nous fait perdre notre rapport naturel et spontané aux autres précisément en l’absence d’un véritable humanisme à l’œuvre dans l’éducation.

C’est aussi je trouve peut-être le défaut de cette adaptation du texte original, de ne pas suffisamment montrer le contexte familial d’Arthur et surtout le regard qu’il porte sur ses parents [l’opposition avec laquelle il se définit par rapport à eux] et d’occulter les rémanences historiques qui encadrent le récit, qui montrent bien dans un équilibre permanent entre microcosme et macrocosme que les déchirements du personnage d’Arthur et son incomplétude sont le reflet d’une époque où l’impuissance dans tous les sens du terme est perçue comme un échec (le père d’Arthur reflétant cette impuissance et cette nonchalance dans la pièce tout comme l’impuissance d’Arthur à séduire une femme et même à un moment donné à bander s’impriment en miroir avec les dérèglements violents et les crises politiques de la société). L’impuissance, au lieu de provoquer la naissance de nouveaux questionnements ne ferait qu’exacerber un peu plus une haine viscérale de soi et de fait engendrerait une mélancolie maladive prévalant à un retour aux sources de l’homme sauvage, puissant, viril, celui-là même qui sera capable de combattre un ours comme le met en évidence la pièce dès les premières minutes du spectacle, celui là-même encore qui doit savoir prendre les femmes « par la chatte ». Le choix de concentrer la dramaturgie sur l’aspect masculin a aussi comme avantage de resserrer le propos et de lui assurer une meilleure cohérence scénique, le but étant dès lors, un peu dans l’esprit de la pièce, de faire d’Arthur, une sorte de spectre mutique incapable d’agir dont la fougue première de l’enfance se serait transformée en silence et en frustration…

RB.

Cross ou la fureur de vivre de Julie Rossello-Rochet dans une mise en scène de Lucie Rébéré

Vu au théâtre 95 de Cergy-Pontoise

Une perception lucide du phénomène des harcèlements

Le texte est paru en janvier dernier aux éditions théâtrales après avoir été primé aux journées des auteurs 2016 de Lyon. A l’époque, nous avions eu la chance de rencontrer son auteure pour un entretien sur la radio Trensistor. Le spectacle a donc quitté la région lyonnaise pour la région parisienne… L’histoire de la pièce se mue autour de la personnalité d’une jeune adolescente Blake, harcelée dans son collège et jusque sur les réseaux sociaux. A priori, le texte évoque cette question prégnante du harcèlement scolaire en s’immisçant dans la vie intérieure de Blake, nous faisant regarder le monde à travers ses yeux.

cross

© Amandine Livet

La version littéraire est empreinte d’une narration fragmentée, faisant naître au fil d’une intense et minutieuse rhapsodie, la figure inquiétante et rassurante de Blake, qui découvre au fur et à mesure de son calvaire, ce que se battre peut signifier et comment l’intensité de la vie jusque dans l’amitié et l’amour peut rasséréner jusqu’aux sourires ensevelis ou disparus. La version théâtrale choisit à travers un univers scénique évoquant l’espace de la chambre de Blake, et à travers deux comédiens et une voix-off de faire émerger Blake, bientôt présente dans un dispositif vidéo qui voit apparaître et se succéder les visages de nombreux collégiens. Le personnage est évidemment offert comme un symbole universel des adolescentes de son âge, une espèce d’allégorie mouvante dont les pensées essouffleraient les absurdités de ce monde. En même temps, chaque personnage qui entoure l’histoire de Blake est convoqué par un jeu parfois loufoque et très burlesque des deux comédiens qui rend présent la circulation effrénée de la pièce entre des personnages malévoles ou stériles. Aussi, la communauté scolaire incarnée par des professeurs, la CPE, le principal et la communauté des adultes est montrée dans son impuissance à déceler, plus largement le monde des adultes devient aussi damnable que celui des adolescents en tant qu’il procède lui aussi à des mécanismes d’exclusions, comme le montre si bien l’évocation de tentes-igloos sur la place de la mairie (se référant à la situation des réfugiés).

En réalité, la version théâtrale nous propose un voyage initiatique dans les objets et dans le monde qui entoure l’adolescence, de la vie quotidienne à l’école à la vie virtuelle. Le théâtre devient ici une arme de lucidité pour faire voir des phénomènes assez récents, la violence dans la pièce provient essentiellement de ce monde virtuel qui à travers des messages allie insultes, intimidations et incitations à la haine. Il reste que la pièce est corroborée par un instinct poétique que la mise en scène ne souligne pas avec suffisamment d’intensité en se concentrant trop sur la structure de la pièce, elle en donne une lecture très intéressante mais qu’il faut absolument poursuivre en tant que spectateur par la lecture du texte. Ce qui fait la force de cette œuvre, ce sont les rêveries du personnage, cette force de perception qui lui donne cette saveur si théâtrale, l’impression qu’on nous raconte quelque chose mais qu’en traversant ce récit, on est en réalité confronté à nos propres forfaits. C’est là que la pièce rejoint quelque chose proche de la fureur qui voit les inclinations du personnages s’affronter. Dès lors, le tragique dans cette évocation de la vie d’une adolescente est dans le mécanisme du déchaînement qui va contraindre Blake à se battre. Son parcours pour se libérer de ces peurs et de cette haine qui la tourmente va la rendre à la vie et à l’amitié quand elle aurait tendance à s’isoler encore à mesure que son être aura été blessé. C’est une pièce qui montre ainsi l’urgence de se construire en tant qu’adolescent dans un monde sans pitié, tragique, où chacun est en soi, s’il n’y prend garde, une victime ou un bourreau pour l’autre.

La pièce corroie ainsi par l’humour et une performance d’acteur assez souveraine, ce sentiment indestructible que serait l’harmonie du vivre-ensemble, et la seule chose qui pourrait le porter à notre conscience, c’est de le cultiver par l’inquiétude. La mise en scène aussi s’imprègne de cet univers inquiétant en montrant peu à peu par un souffle apaisé et paisible, le sarcasme silencieux du renoncement de ceux qui sont impliqués dans le harcèlement face à l’espoir de la lutte que tous ceux que Blake par sa vigoureuse lucidité aura su convaincre d’être des lucioles prête à éclairer le globe dans la nuit sombre… Une invitation à prendre le large ou à se révéler, on ne sort pas indemne d’un tel spectacle qui vient bouleverser nos certitudes et se montrer dans une machinerie psychologique très vive. Loin des poncifs qui entourent ce problème, il y a cette volonté dans l’écriture de faire naître l’indicible et le montrer tout simplement pour que chacun y trouve sa voix pour faire face aux menaces qui nous assaillent comme des mouches…

Raf