Lyon

Eins, Zwei, Drei / Martin Zimmermann [Première Française]

Vu au TNP dans le cadre de la 18ème Biennale de la Danse de Lyon

Une pièce de cirque hybride et loufoque

Au sein de la création chorégraphique actuelle, une très grande interdisciplinarité est à l’oeuvre. En effet, si l’on se cantonne au simple mouvement dansé, on ne dit rien – ou peu – de la danse entendue comme le sixième art. Depuis quelques décennies, un art hybride longtemps resté dans l’intimité irrigue notre discipline jusqu’à y faire surface dans un festival de prime abord dédié à celle-ci. Cet art, c’est le cirque. Ainsi, nous le retrouvons en cette année 2018 pour la Biennale de la Danse de Lyon, avec notamment une nouvelle création de Martin Zimmermann, Eins Zwei Drei, présentée au TNP – Théâtre National Populaire de Villeurbanne.

Cette pièce d’une durée d’une heure trente environ met en scène dans une esthétique incroyable trois interprètes talentueux, Tarek Halaby, Dimitri Jourde et Romeu Runa ainsi qu’un pianiste exceptionnel, Colin Vallon. Des objets, des décors, des personnages et des situations se dégage une grande poésie. Les scènes qui se déroulent devant nous sont captivantes, chaque protagoniste y trouve sa place, tout s’accorde. En outre, pour sa nouvelle pièce, l’artiste suisse s’est inspiré de l’art contemporain. Mais plus que de celui-ci, c’est surtout du lieu où il a coutume de se trouver : le musée. Dans cet espace, il se passe des choses étonnantes, choquantes, drôles ou dramatiques. Le public afflue, les artistes s’exposent, se vendent, on y vient entre amis, en famille, en groupe scolaire… Le musée d’art contemporain concentre à lui seul toute une micro société hétérogène, un public pourrait-on-dire nouveau car cela fait peu de temps que cet espace s’est démocratisé. Par ailleurs, il est à lui-même déjà une oeuvre, un endroit atypique, grand et épuré dans nos imaginaires.

Dans «Eins Zwei Drei» de Martin Zimmermann, un trio de clowns barrés (Romeu Runa, Tarek Halaby, Dimitri Jourde) évoluent au rythme de la musique du pianiste Colin Vallon.

© Augustin Rebetez 

Pour nous plonger dans cet environnement, deux grands panneaux font guise de mur, tandis qu’au sol, une scène surélevée imitation marbre nous rappelle les immenses sols lisses et rutilants des salles d’expositions. La première scène donne le ton sur le caractère comique de la pièce. Un homme, tout de blanc vêtu, se met à parler devant un pupitre de manière exubérante en faisant quelques farces grotesques. Son costume nous rappelle un personnage emblématique du cirque, le clown blanc, qui est comme le présentateur de la troupe. Ici c’est presque une image loufoque et caricaturée qu’on a de cet acteur du cirque. Sous son costume de dandy se cache une personnalité délirante qui ne cessera pas de se mettre en scène sauf à de rares exceptions. Ses deux autres acolytes sont tout aussi déjantés bien qu’appartenant à des univers différents. Son pendant, un clown noir qu’on comprend être le « sous-fifre » du musée sous l’égide du premier personnage est tout droit sorti d’un univers de conte slave. Il ressemble à un pauvre manant d’une autre époque, le visage comme couvert de suie, avec de grosses chaussettes et un bonnet rappelant une chapka. Sa voix aiguë marmonne des onomatopées qui rendent son jeu hilarant. De plus, ses gestes maladroits et tentant à la fois de ne pas l’être, nous font deviner un artiste talentueux, maîtrisant les codes du clown dans une personnalité attachante de part son caractère enfantin.

Enfin, un troisième visiteur va faire irruption dans le décor. Arrivé quasiment de nulle part, les deux autres le regarde de travers. Au début on ne comprend pas ce qu’il vient faire dans un musée, quand on se dit que finalement il est peut-être la figure symbolique de l’artiste déluré, qui ira jusqu’à être lui-même une oeuvre – on voit de plus en plus ça dans le champ de la performance au sein de l’art contemporain – . Le clown en question ne porte qu’un caleçon et quelques haillons déchiquetés, il ne tient pas droit, parle un langage qui rappelle un homme un peu trop alcoolisé. Son allure de punk désossé fumant ses cigarettes est excellente.

Les trois clowns que nous avons là ont chacun un caractère et un univers très fort, ils mènent tambour battant le spectacle accompagné par le pianiste. Le rapport que les acteurs ont à la musique est par ailleurs très intéressant ici. Il n’est pas si commun d’avoir sur scène l’auteur même de la musique d’une création, et cela lui donne une place particulière. Le musicien fait partie intégrante du spectacle, il joue sur mesure, à la perfection, et interagit avec les interprètes si bien qu’on peut dire qu’il n’y a pas trois mais quatre personnes sur scène. Restant en léger retrait, il est comme un médiateur entre l’imagination loufoque qui est à l’oeuvre devant nous, et justement, nous, les spectateurs dont il fait à moitié partie et qui représentent ici la raison. Ce qu’on appelle le clown relève par ailleurs de cet entre-deux raison/folie ou raison/imagination. On n’est pas dans un jeu d’acteur, bien qu’ils jouent un personnage, ni même dans le mime même si le clown ne parle presque pas. Pourrait-on être dans l’acrobatie qu’elle se transforme en chorégraphie, approcherait-on la farce qu’en son exécution se cache un propos sérieux sur la société. Dans une posture quasi schizophrénique, le clown représente l’hybridation des genres et des arts au sein du cirque, mais aussi au sein de la création artistique de manière générale qui n’est rien si elle en reste cantonnée à ses distinctions. Aujourd’hui, cette pratique fascine de plus en plus, car elle recèle en elle des voies multiples d’introspection, d’imagination, de création et de compréhension du monde.

Eléonore Kolar

Concept, mise en scène, chorégraphie et costumes Martin Zimmermann
Créé avec et interprété par Tarek Halaby, Dimitri Jourde, Romeu Runa et Colin Vallon
Création musicale Colin Vallon
Dramaturgie Sabine Geistlich
Scénographie Martin Zimmermann, Simeon Meier
Conception décor, coordination technique Ingo Groher
Création son Andy Neresheimer
Création lumière Jérôme Bueche
Regard extérieur Eugénie Rebetez
Assistante à la mise en scène Sarah Büchel

HOME ALONE / Alessandro Sciarroni

Vu à la maison de la danse

Le chorégraphe italien Alessandro Sciarroni était de retour cette année à Lyon avec une  création datant de 2016, Home Alone, interprétée par deux danseurs du Ballet de Rome. Ce spectacle entre danse et performance, utilisant de manière très ludique l’outil numérique a été spécialement conçu pour un jeune public, et n’est pas sans éveiller un grand intérêt chez le spectateur adulte. Dans ce laps de temps, tout nous appelle à penser un nouveau rapport à la scène et au public, à l’écran, au dispositif scénique, sans entrer dans une trop grande complexité. C’est donc avec une pointe d’humour et de légèreté que nous sommes invités à faire un petit pas dans le domaine de la performance contemporaine, ainsi que dans l’univers du chorégraphe, toujours emprunt d’une grande curiosité et d’un engagement sincère auprès de son public.

© Balletto di Roma 

Lorsque nous entrons dans la salle afin de prendre place sur nos fauteuils, une danseuse est déjà là sur scène. La bande originale du film Flashdance, What a Feeling d’Irene Cara tourne en boucle – ou plutôt, c’est l’interprète qui, équipée de son Macbook posé sur une table la relance dès qu’elle se termine. Elle a en outre l’apparence d’une adolescente : short en jean, t-shirt marinière un peu trop large. Les lumières baissent. Le dispositif scénique nous plonge dans la chambre de cette jeune fille : elle va s’amuser avec son ordinateur, jouer à s’entraîner à danser sur des musiques qu’elle met, appeler un copain via Skype, essayer tous les effets de caméra déformante. En somme, elle va faire tout ce que font les adolescent.e.s dans leur chambre et sur leurs ordinateurs : écouter de la musique, tchater, s’envoyer des petits mots d’amour…

Est projeté en arrière scène l’écran de l’ordinateur. Nous sommes donc comme les spectateurs de son intimité et participons pleinement à ce qui est en train de se passer : précisons ici qu’elle se trouve dos à nous, et que nous voyons ses mouvements de face via un grand écran qui projette celui de son ordinateur. Étant donné que l’appareil se trouve en face de nous, la caméra est à même de filmer  la salle tout entière. Ainsi, on alterne entre des moments où la salle est filmée, où les spectateurs deviennent « regardant-regardés » pourrait-on-dire. La danseuse, par les images déformantes d’elle-même projette autrement son corps, elle se meut par rapport à l’écran et non plus en soi par rapport à elle-même. Cela questionne déjà le rapport à notre corps face à l’écran. Qui se trouve projeté ? Est-ce simplement une image de nous-même ? Ou est-ce-que cette image n’a pas autant de vitalité – c’est-à-dire ce qui est constitué de vie, ce qui agit et qui se meut – que le corps lui-même ? Car, c’est par rapport à cette image qu’elle va se mouvoir. Sa concentration ne porte plus tant sur son corps et ses gestes que sur le corps de cet autre moi que donne à voir l’écran. 

Ce qui est également intéressant dans cette œuvre est que nous nous trouvons pris dans un réseau d’écrans qui structure notre perception de manière très singulière. Que regarder ? La danseuse qui exécute ses mouvements sur scène ou son image déformée portée sur l’immense écran ? Une multiplicité de points de vue est à l’œuvre, ainsi qu’une multiplicité de temporalité qui n’est pas sans évoquer ce que nous vivons actuellement avec l’immersion de l’outil numérique dans nos vies. Ici, la scène se démultiplie, il y a plusieurs espaces de danse qui ont chacun leur réalité. La scène ne se trouve plus simplement être ce plancher et ces rideaux, mais elle existe par delà l’écran.

Le temps présent se décompose : il y a l’espace-temps réel, disons empirique, que représente l’exécution de mouvements sur scène, et un autre espace-temps virtuel qui est celui de l’écran. A l’issue de cette performance on peut se demander si la distinction écran virtuel/réalité sensible n’est pas trop dichotomique car, au fond, tout se passe au même moment, sous nos yeux, et les corps de tous les participants – public comme performeurs – sont (dé)matérilisés dans plusieurs espaces. Les termes de virtualité et de réalité se confondent, et l’acmé de cette fusion est atteinte par le surgissement de l’ami qu’elle a appelé via Skype sur scène. Ensembles ils s’exécutent dans un final très touchant et entrainant sur I Wanna Dance With Somebody de Whitney Houston, tellement entraînant qu’on a envie de les rejoindre. Et c’est même ce qu’ils vont nous proposer de faire ! – s’adressant bien sûr ici aux enfants qui se trouvent dans la salle.

Finalement, c’est, comme nous l’avons dit plus haut, avec légèreté que le chorégraphe appréhende les nouvelles technologies, voulant sans doute par là nous montrer qu’il est aussi possible de les apercevoir de manière ludique. On s’interroge sans noircir le tableau, car au fond, ces dispositifs fascinent les petits comme les grands. Ce spectacle m’a ici permis de faire quelques remarques d’ordre philosophique sur ce que l’on peut appeler réalité. Et il semble que de nos jours, ce terme est bien plus problématique qu’il n’y paraît. La performance ainsi que la danse contemporaine se penchent beaucoup sur ces questionnements, et voient dans l’outil numérique une nouvelle manière d’appréhender l’espace en brouillant de plus en plus la frontière entre performeurs et spectateurs. 

Eléonore Kolar

Création Alessandro Sciarroni / Danseurs Roberta Racis, Francesco Saverio Cavaliere / Technicien Fabio Novembrini / Conseil Lisa Gilardino