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Mama écrit et mis en scène par Ahmed El Attar

Vu à la première représentation au Festival d’Avignon le 18 juillet au Gymnase du Lycée Aubanel.  A retrouver prochainement notamment au Festival d’Automne à Bobigny [MC93].

A retrouver ci-dessous, l’entretien d’Ahmed El Attar mené par Raf sur la radio l’écho des planches [repodcasté sur notre site] / Accroche de l’entretien : « Il n’y a jamais un moment de vérité entre mes personnages. »

Des effluves patients d’oppression…

Nous avions pu découvrir lors de l’édition 2015 du Festival d’Avignon « The Last Supper » d’un cycle de pièces sur la famille. C’est dans cette continuité qu’Ahmed El Attar porte cette nouvelle pièce « Mama » qui a été créée pour cette édition du Festival d’Avignon.

Mama apparaît comme une histoire scellée, celle d’une famille de la haute-bourgeoisie égyptienne, dont Ahmed El Attar décompose le renoncement. Ce renoncement est manifesté dans la mise en scène qui vient très subtilement subodorer des ensembles de grilles qui forment la composition inquiète de cet appartement bourgeois et sur lesquelles la lumière vient achopper ses rayons furtifs. La scène évolue comme un espace où les dialogues dévoilent toujours un moment de cruauté enclose. L’écriture dans un geste permanent et régulier fait circuler les voix en montrant sans cesse qu’elles sont empêchées par une forme de pudeur ou de terreur sociale, même si en réalité selon son rang social et la génération à laquelle on appartient, notre empêchement n’a pas la même épaisseur.

C’est une vie intérieure aveuglée par l’ordre naturel des choses qu’Ahmed El Attar introduit dans la construction sociale de la famille égyptienne, son travail fait grandir dans l’imaginaire du spectateur, des effluves patients d’oppression. Il y avait dans « The Last Supper » quelque chose de cette même oppression mais qui passait par une caricature plus lugubre et un humour plus léché. En effet, dans sa précédente création, la famille dévoilait ses rouages de domination par son rapport critique aux espoirs de la révolution égyptienne, qui montrait mutadis mutandis contrairement à l’implication de la bourgeoisie française dans la révolution de 1789, une défiance à l’égard d’un changement qui en appellerait bien d’autres.

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Mama © Christophe Raynaud de Lage

Dès lors, Mama semble en apparence se dégager de ces questions sociétales et politiques engendrant par là un silence étouffé sur ce qui touche au plus profond de notre être : notre libre arbitre en tant qu’il nous autorise à décider de notre propre destin. Dans cette famille égyptienne, et le théâtre en est l’ondée mystérieuse, les membres paraissent plutôt libres de leurs mouvements pour autant qu’ils sont membres constitués d’une hiérarchie dont le père contrôle l’inertie. Et c’est bien de cette inertie infernale dont il est question dans cette nouvelle création en tant qu’elle imprime un état de fait établi. Rien ne peut élever les membres de la famille par delà cette inertie malsaine, le personnage de Zizi, la petite fille de la « Mama » en est la preuve éclatante : cherchant à se destituer de son emprise familiale, elle n’en finit pas moins par se soumettre, mais d’une soumission qui porte peut-être en elle les prémices de l’irrévérence et de la liberté. Derrière les disputes entre la Mama et sa belle-fille sur la façon d’élever les enfants se profile l’abandon de Karim qui ne saurait choisir de défendre ou sa mère ou sa femme. Mais ces disputes subsument quelque chose de plus enfoui dans la machination familiale, elles sont la démonstration d’une médiocrité plus apostate qui met en évidence que les femmes ne s’interrogent pas sur leur position de mère mais se positionnent dès le départ en gardienne de la morale, tenante d’une paix sociale par delà laquelle elles sont et seront exclues.

La mise en scène porte en elle une tension à travers quelque chose d’une frénésie qui se stoppe, d’un instant qui se fige. Ces moments de retenue sont les symboles d’un mutisme tapageur souvent accompagné d’une vibration sonore qui fait disparaître le personnage derrière son indolente absurdité. Cette tension permet de renforcer et de souligner d’une certaine façon l’enfermement de la famille dans ses propres certitudes. Au fond, la principale peur que ressent chaque personnage, c’est non seulement l’appréhension d’une confrontation avec chaque membre de sa famille et jusqu’à la figure du père tyrannique semblable à une figure divine, mais surtout la peur de devoir donner, peut-être d’exprimer de l’amour, d’exprimer des regrets, de demander pardon, que ce soit aux membres de la famille, enfants, femmes, et peut-être même aux hommes, autant de personnages qui se sentent abandonnés. Dès lors, ce que montre Ahmed El Attar et la mise en scène en souligne la ridicule promesse, c’est que dans l’épreuve de la confrontation, les personnages révèlent leurs fragilités. Pour autant, l’humour noir naît des gesticulations de la Mama qui a tendance à exaspérer secrètement tout le monde et qui apparaît pour tous les personnages de la famille comme tenante d’une affection irrémédiablement possessive.

C’est là une dimension inaltérable du travail d’écriture d’Ahmed El Attar, c’est qu’il cherche à tirer de ce qu’on pourrait considérer comme des situations banales, un tragique minutieux et lucide. Tous les gestes des acteurs participent de cette tragédie burlesque où l’impuissance de s’écouter et de s’opposer fermement à une société établie nous renvoie à notre propre impuissance face à un système familial fondé sur le patriarcat : observer impassible l’impossibilité de l’amour filial et se résigner, croire que c’est dans l’ordre naturel des choses… Sans hypocrisie, parce que réfléchir revient à prendre le risque de détruire tout ce qu’est notre vie aussi superficielle fût-elle. Ahmed El Attar signe ici un spectacle d’une rare acuité qui en très peu de temps, dans un geste d’écriture épuré et dans une scénographie dépouillé de vaines grandiloquences ou d’impatientes angoisses, nous livre tout à monde à décrypter et à combattre pour atteindre à une vérité qui puisse satisfaire notre jouissance et pas non seulement conforter notre position sociale. C’est là que se situe le geste d’exubérance délicate du dramaturge, dans le décalage produit par le théâtre, d’un spectateur, conscient de l’aveuglement tragique de cette famille de la haute-bourgeoisie face à cette même famille qui se déchire, qui est déjà déchirée, folle des illusions qui sont aussi sinon plus coupables qu’insouciantes.

Raf.

Saigon dans une mise en scène de Carolina Guiela Nguyen par la compagnie les Hommes approximatifs

Jusqu’au 14 Juillet au Gymnase du lycée Aubanel

Une magnifique leçon de vie…

J’avais pu voir Le Chagrin en 2016 et déjà ce spectacle était très touchant. En s’immisçant dans une dimension de mémoire historique, la compagnie les Hommes Approximatifs rehausse sa poésie des corps et des larmes en lui conférant une vitalité pleine d’espoir. Car ce que montre la metteuse en scène en partant d’un lieu qui pourrait être commun à Saigon et à Paris à 40 ans d’intervalle (1956-1996), le restaurant qui est figuré sur scène, ce sont des correspondances subtiles, des parfums de rencontres et de traversées qui sont autant d’instants fragiles et incertains. La force de ce spectacle, c’est qu’il succombe aux temporalités et qu’il innerve des histoires intimes en racontant une expérience collective de l’exil, et de la difficulté du retour au pays natal.

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Saigon © Christophe Raynaud de Lage

Une voix narrative, celle de la serveuse du restaurant, tisse les liens entre les différentes histoires et se fait la rhapsode de tant de tristesses et d’espérance. Les personnages qui sont à Paris en 1996 viennent de Saigon, qu’il ont dû quitter soit pour des raisons politiques, soit pour suivre l’amour de leur vie, un soldat français. La pièce s’inscrit dans ces deux temporalités, et nous montre les relations complexes des personnages à leurs propres histoires, et cela culmine quand l’un d’eux retournant en voyage à Saigon après l’avoir quitté 40 ans plus tôt, n’arrive plus à se faire comprendre car il a oublié sa langue natale ou la maîtrise mal. Cette difficulté à se comprendre parce qu’on ne parle pas la même langue ou qu’on parle mal le français dans le cas des échanges entre français et vietnamien crée des moments cocasses et drôles mais est en même temps le signe d’une tragédie intemporelle, celle de devoir inventer une langue. Et cette langue qui est magnifiquement inventée surtout dans le jeu des comédiens, c’est la langue de l’émotion. C’est là une des grandes forces dramaturgiques du spectacle, c’est cette capacité instillée par les comédiens à exprimer par la force redoublée de l’émotion, ce qu’il ne peuvent exprimer dans la parole contrainte par la barrière de la langue. Le sourire et les larmes et surtout la voix pour le chant sont cette émotion qui appelle une grande poésie dans le spectacle et qui saisit le spectateur. Cette langue du corps qui s’invente aussi dans les gestes et les déplacements nous propose un théâtre plein de douceurs, mais dont la douleur transparaît peu à peu et explose en des moments d’intenses recommencements. L’écriture des échanges entre les personnages est toujours belle dans sa simplicité et dans son extravagance de légèreté malgré la touffeur de certaines situations.

En même temps, cette pièce aborde la difficulté de répondre à un passé colonial encore douloureux et montre l’implication de notre pays dans des déportations honteuses et indignes, comme celle qui est évoquée avant-guerre pour le travail dans des usines d’armements dès 1939. Il montre aussi que cette guerre, dans la parole des soldats et de tout ceux qui l’ont vécue reste secrète, comme une blessure que le silence ne fait que creuser. Il évoque aussi le long exil de vietnamiens qui ayant travaillés pour les français furent contraints de fuir et parfois attendaient en France dans des camps qu’on leur trouve une place sur le territoire de manière purement arbitraire. Un des personnages Antoine qui est le fils d’une femme ayant épousé un soldat français à Paris semble tout ignorer de l’histoire de sa mère, de sa langue. En outre, la France des années 60 est représentée comme inconsciente de ce qui se serait passé comme guerre au Vietnam. La véritable guerre qui va s’initier par la génération qui suit celle de cette guerre, c’est peut-être celle de la reconquête de cette mémoire, car l’on voit leurs enfants acheter des billets d’avion ou accompagner leurs parents pour qu’ils revoient leurs pays. Bien plus que des fractures et des blessures, Caroline Guiela Nguyen nous montre des visages qui errent dans ce restaurant cherchant leurs ombres ou la lumière exaltante de la beauté de leurs complicités.

La mise en scène figure un restaurant vietnamien en représentant dans les moindres détails sa disposition et sa décoration avec une partie de la cuisine qui est visible ainsi qu’une sorte de petite scène avec un micro. Ce restaurant change de pays et de temps avec une simple indication de date. L’ensemble des échanges est presque toujours accompagné de musiques et de sons qui bien plus que des étais dramatiques est un voyage au seuil de nos perceptions, car notre regard par ce prisme est davantage porté à contempler l’émotion des corps que la parole des comédiens. La musique est finalement ce qui permet de faire advenir sans cesse cette émotion ardente et irrésistible. Et quel frisson incroyable lorsque les comédiens interprètent des chansons et qu’on entend Christophe et Sylvie Vartan résonner !

Saigon est une magnifique leçon de vie, une pièce sur l’amour et l’exil qui nous parle d’une mémoire oubliée et douloureuse, puisque ce restaurant parisien est Saigon, étant fréquenté par les exilés. Par là, le spectacle souligne que le monde entier est Saigon et ce restaurant installé en France en ait la preuve ultime, et tel que le dirait Koltès le désir est un bout du monde qui appartient à tous. On attend avec impatience les futures pièces de cette compagnie car on sent qu’au delà de toute la facture complexe et irréprochable du spectacle se loge une sensibilité éclatante si rare au théâtre, ou trop souvent exacerbée par le jeu d’acteurs ou la langueur des tensions, sensibilité qui nous porte et nous brise car elle renvoie à chacun l’image de ses propres mensonges et sa peur d’être au monde. Comme le dit la patronne du restaurant lorsqu’on lui demande pourquoi elle ne montre jamais qu’elle a mal à l’intérieur, c’est parce qu’elle ne veut pas que les autres aient autant mal qu’elle. Il ne reste plus dès lors qu’à ressentir ce qui se dit et suivre l’histoire dans ses péripéties et ses patientes espérances.

Raphaël Baptiste